唐辉 | 从人物到山水，作画如参禅

焦墨落纸的瞬间，山还未成形。

干笔皴擦，枯墨积染，墨色在宣纸上缓慢渗化，山石的结构在反复的笔触中一点点显现。唐辉画山水，下笔稳，用色简，苍浑处有皴擦，厚重处有骨线。他在焦墨繁密之间，建立起一套属于自己的笔墨秩序。

这种秩序，源于几十年艺术修行的自然沉淀。

《清风明月》68×68cm

从人物到山水

唐辉在中央美院学的是写意人物。卢沉、周思聪、田黎明——那一代人物画家的教诲，让他打下了扎实的造型功底。但毕业后进入荣宝斋工作，时间被编务和行政切得很碎，人物画需要的大量写生和现实题材创作，变得难以持续。

他转向了山水。

这个转向的关键，是教他山水课的老师——贾又福。唐辉说，贾先生“走的是一条中国山水画学习的正脉”，让他一下子抓住了山水画的核心——不是画什么，而是怎么画。人物画以造型为先，山水画以笔墨为先。这个转变，表面上是题材的更换，实际上是一次审美观念的重新校准。

唐辉的笔墨根系扎得很深。他吸收黄宾虹的山水结构，又深受赖少其焦墨皴擦的影响。书法上大量临习《龙门二十品》，碑学功底让他的线条有一种朴拙的骨力。但他最警惕的，恰恰是“像某一家”。齐白石说“似我者死，学我者生”，他把这句话记了很多年。真正好的老师教的是学习的本领，而不是让学生复制自己的面貌。这句话，他后来也传给了自己的学生。

《奇松诡石》139×69cm

焦墨里的减法

在追求视觉冲击力的时代，唐辉却做减法。减掉颜色，减掉繁复，减掉一切可以省略的东西。特别是他早期的画，焦墨、枯笔、干皴，画面只剩下黑白灰。但凑近看，那些看似狂放的墨块底下，每一笔都沉得住——干笔皴擦留下的飞白和斑驳，在焦墨的苍茫里透出金石般的骨力。他用减法做加法：减掉的越多，剩下的每一笔就必须站得住。

这种克制，源于他对传统的理解。中国画自文人画以后，笔墨的要求越来越高，“墨分五色”“水墨至上”成为主流。青绿山水虽然一脉相承，但在色彩上始终没有大的突破。唐辉从传统中来，早期的作品以水墨浅绛为主，色彩上一直克制。但克制不等于没有想法。近几年，他在色彩上做了很多创作的储备，关注林风眠、吴冠中在色彩上的实践，也深受赖少其晚年“丙寅变法”的启发。赖少其八十岁以后那批作品，把印象派的色彩融入水墨，唐辉看在眼里，记了很久。

“可能今后会有一些变化。”他说这话时语气很轻，但能感觉到，那是一种有准备的等待。

唐辉近期彩墨作品《清塘鸣秋》139×69cm