对话尉晓榕丨我愿在岸边接引后浪

尉晓榕教授：这是一个自然的过程，个人好恶最后会在你的体内产生一种惯性。它的能量总要迸发，何况你在做任何事情总要带上能量，能量是多向且多出口的，把控是关键，如何把控是能力，最后的把控是修养。音乐既要听一些轻松的、畅快的，比如轻音乐类的东西，但我本人更倾心交响曲和协奏曲，交响曲的奏鸣曲式结构，我觉得是一种便于活化的范式，可以是大多数艺术软装的上好脚手架。

所以我在给学生们讲创作的时候，就特别强调一个设计感，一个交响性。设计是当今世界上最高的视觉艺术成就，我们要从里面拿东西，你可以不设计，但需要设计感，好比在我的领域，可以不作诗，但必须有诗性。还有一个就是交响性，你画面中丰富的织体、多层次、重量感、深刻度，不论是交织还是叠加，都应该体现出一种交响性。这就有点像钱学森理论中“复杂巨系统”这个概念，它已经很复杂了，又是一个庞大系统，至少在画里，你要被这种观念所感召，在画面上能呈现一点都是可贵的。所以我认为“交响性”是能够在一定程度上给出框架，能够多塞一些东西，让你手下的活看起来更具万花筒式的多面晶体效应。

当然，作为平衡，我也喜欢一些简单质朴的画面，几根线描之类的简笔画，也是一种不俗的样式，我们不但要错彩镂金，我们也要出水芙蓉。

尉晓榕老师进行创作

采访者：在您的许多画作当中，其实都能感受到您所说的这种交响乐的协奏感。那么有没有一幅令您比较满意的画作，其中能够将这种音乐与艺术的融合与转换，发挥得最尽兴、最享受的呢？

尉晓榕教授：

发挥比较好的是我博士毕业创作《一个诗人的音乐生活》，因为这个主题很分明，就是要把一个音乐性、一个诗性，这两个性质都揉合进画里，然后以一种悦目的样式呈现。我当时没什么犹豫，也没什么损耗，直截了当地就把这种能量释放了，换来一场畅快。当然我平时除了传统的操练以外，如果想做些新作的话，很多时候也比较习惯考虑到一些音乐的元素。比如音乐里的旋律，其实就是我们绘画的诗绪的线条，那种腕力，靠手腕和手指的动作做一些漂亮的转折，这时诗绪跟旋律是一回事。

我们的留白，其实跟音乐的休止符以及段落中间的时间间隙，都有很大的形式关联，这还包括它们的声部跟我们的章法，那些声部的重叠，也是与我们的复合型章法、各种技法上的色墨叠加相关，所以这些都是原理共享的。

《一个诗人的音乐生活》