在后疫情时代，美术馆如何在变动中迎接新的挑战？——对话央美美术馆馆长张子康

实际上不止是疫情前后，在移动互联网普及之后，我们的视野就不止局限在一个实体空间内了，同时也被虚拟空间所包裹，线上美术馆就是一个公共的虚拟空间的概念。比如这次央美美术馆廊坊馆“演化——公共的未来”展览，就是对当代这两种空间公共性的一次思考，特别是虚拟空间内的公共空间，展览中很多作品都围绕着这一点展开，例如徐冰的作品“蜻蜓之眼”，就是在讨论网络空间中公共性与私密性二者的关系。我们在日常生活中经常忽视这个虚拟空间，但这个空间其实一直存在，与实体空间相渗透，我们无时无刻不沉浸其中。通过对作品和展览的观看和体验，可以让我们更好地认识到这一点。

赤金CHIJIN，赤金美术馆，2020-2021，“演化——公共的未来”展览现场，中央美术学院美术馆•廊坊馆

在艺术界这种现象也极其普遍，比如说现在出现了很多虚拟艺术作品，这就需要我们去思考：虚拟作品如何与实体空间相结合？在实体空间无法被踏入或者过于遥远时，我们怎么能建立虚拟空间，通过虚拟的方式去建立一种新的展览模式，让实体艺术进入其中？如何通过技术的手段，在有限经费的前提下促成二者相通？在这些方面我们进行了很多讨论，这也是全球艺术界在讨论的问题。但显而易见的是，在未来，虚拟空间必将推动美术馆的发展建设。美术馆现在面临的不仅是展示方式的革新，也是艺术家创作方式的革新。它更要面临新的观看方式、传播方式、新的社会结构和新的空间结构概念等等，这是时代的需要。就像上面提到的虚拟的公共空间概念，它将会成为央美美术馆要去拓展的、必须考虑去构建的一个新空间。央美美术馆在展览与传播上进行的数字化工作是同步的。在展览方面，我们思考更多的是如何从这样一种数字化虚拟空间的建设中，形成未来展览的新模式。这个过程是循序渐进的，而且可以与线下看展相结合：比如以后我们做展览时，可能在实体展览中也会扩展一个虚拟的空间；再比如展出单件作品之外，也许旁边会配有一个二维码，观众通过现场扫码可以看到这件作品的另一个面向，了解到其背后艺术家的想法，它也可以与社会形成联结，观众可以了解到其他人对这件作品的解读。数字化的虚拟空间能够带来对作品的实施、概念和意义的延展，同时为观众带来新的思考。当我们观看这样的展览时，当作品背后的那些内容出现时，我们会发现自己对这件作品的理解与过去不一样了——它拓展了我们对作品新的空间理解，这也是我觉得非常有意思的一个地方。

雷安德罗•埃利希 Leandro Erlich ，反射港湾，2014， “演化——公共的未来”展览现场，中央美术学院美术馆•廊坊馆

一个美术馆，把艺术家的作品呈现出来之后，能够让观众看到在其领域内看不到的一种现象，也许是更专业、也许是跨领域，把这些隐藏着的内容展示出来，让观者形成反思，这很有意义。这就逼着美术馆需要去不断往前拓展，拓展出一个对这样新的艺术展览方式的体系建设。

记者：随着艺术展览的增多，大众对观展的需求也发生着变化。那么您觉得未来美术馆在展览呈现方式上会有怎样的变化？

张子康：对于现在的展览和作品，其实观众要求更多了，观众对展览的判断标准已经不再停留于过去。这就要求美术馆人和策展人去重新思考展览的呈现方式。在这样一个有限的空间内，作品与作品之间的关系是什么？作品本身与空间的关系是什么？一个展览不再是展几件绘画、几件作品就够了，重要的是如何构建一个场域关系——如何构成一个人与作品、与展览空间之间的关系——这不是一个简单的存在关系，而是促成一种意义上的转变，它延伸了过去我们对作品的概念。这次央美廊坊馆“演化”展览就很关注场域的构建，本次参展的阿根廷艺术家雷安德罗•埃利希（Leandro Erlich）的作品就凸显了这个特点。埃利希认为他的作品放在美术馆中其实才完成了一半，而另一半则需要观众的进入才算完成、才能形成他作品的完整性；英国艺术家安尼施•卡普尔(Anish Kapoor)也有这样的概念，比如它作品的镜面反射也需要有人参与进来，使他作品的价值更能凸显，同时也能呈现一种多元审美的可能性。

安尼施•卡普尔(Anish Kapoor)作品，西海美术馆开馆展“超越”展览现场