画是无声的诗，诗是有声的画——品悟何家英作品中的诗意情怀_山东站

古希腊西摩尼得斯说：“画是一种无声的诗，诗是一种有声的画。”画里的光芒折射出平凡世间最细腻的情感，被色彩包裹的生命既是有形的，亦是无形的，它们唤醒沉默的草木，吹开心上的荒野，打开那簇簇的春天。

我喜欢写诗，正因为如此，我总是以诗意的角度去欣赏美术作品。中国画是诗性的艺术，其在本质上传递出的正是一种诗意的表达。但这种诗意往往局限在山水画的范畴（或者说中国画本就是以山水画为主要代表的画种），而大多数人物画则难以传递出相似的感受，何家英却恰恰可以在人物画上延伸出属于自身的诗性表达。在兼顾人物美感的同时，甚至能让观者透过时空的缝隙，感受到他们的情愫。而何家英的艺术也并没有只停留在过去诗性的范畴之内，其有着更为深邃的思想内涵。当我看到何家英的画，便会被他画中蕴含的灵魂所打动，这正是他的作品最感人的部分。他的画，不仅是对人物的刻画，更是对人性、情感与孤独的深度解读。

作为何家英中国画中独具特色的诗意符号，那些女子或静坐于花间，或独步于庭院，或手持小提琴，听黄昏的湖面上静寂的回音。每一个转身，每一次回眸都透露着一种孤独的诗情。或是春怨时“独行独坐，独唱独酬还独卧”的落寞，是漂泊在外“飘飘何所似，天地一沙鸥”的伤怀，又或是“独处，亦清欢”的从容处世。这种感觉，像是一场对自我的探寻，探寻在现代丛林中如何获得一份心灵的净土。当我们远离尘世的喧嚣与浮华，该如何享受一种看似百无聊赖的心境。在何家英的眼里，“孤独”是一种享受，是一种难得的境界，它会给人一种深沉而强烈的艺术感受。但这种感情又并非是爆发式的，它像是一泓清泉，悄然地流淌在画里。这种“孤独”作为一种力量，牵动着观者沉浸在画面之中。

这种孤独，正是何家英作品的灵魂之所在。在他的笔下，人物绝不仅仅是对外观的描绘，其更是一种站在人性的视角上对模特儿内心世界的洞察。他极力体察着这些人的喜怒哀乐、悲欢离合，却又并不停留于这些浮于表面的感情，而是更深地探索其背后潜藏的孤独感。这些复杂而幽微的情感最终都得以在画中展现，让人仿佛穿越到画面，与画中人进行了一场深度的对话，恍惚间我们会觉得“这个妹妹我原是见过”。穿过遥远的岁月，当我们再一次相遇，旧的年月与新的时空交错，令人不禁心生感动。

而“悲悯”往往是与“孤独”如影相伴的，如果说孤独是心灵的解药，那么悲悯就是一次心灵的涤荡。何家英的作品在传递着孤独的同时，也暗含着悲悯的情怀。《山地》里的农民手握锄头，脊背上凝重的线条象征着时代的流变，折射出中国人身上勤劳、朴素、坚韧的美好品质；《岁月遗痕》里的老妪面容清瘦，沟壑纵横，岁月的痕迹刻画得淋漓尽致，但那双眼眸却炯炯如有神明，仿佛看透了这世间所有的苦难；《岁月年轮》里刻画的彝族老妇人同样是饱经风霜，但依然可以看到其对生活的热爱。这些画面无不让观者感受到画家深刻的悲悯情怀，一种跨越了民族和信仰的来自灵魂深处的慈悲。