对话李安源｜我的花是在凋零前保持沉默的时间

艺术家李安源和刘伟冬在问象艺术空间举办双个展「花镜」，该展览于2026年09月19日至10月19日展出，展览期间李安源谈及生活和创作中的一些感悟。

绘画总是试图捕捉流动，但一旦捕捉成功，流动就变成了凝固。所以真正的绘画不是要固化物象，而是要让物象的流动性在画面中继续存在。

Q1：您同时拥有艺术史学者与画家的双重身份，艺术史的研究视野形塑了您的创作判断，本次以花卉为主题的创作，在动笔之初，您是如何构思的？

李安源：倒没有刻意去构思。今年春天在江边踱步，看到许多野花从石头缝隙里长出来，回来就根据印象画了这组尺幅很小的花卉。说没有构思，是因为惯性使然——之前画过上百张深重色调的写意人物肖像，这组花卉也是以同样的画法画出来的。

但恰恰是这种“没有构思”，值得停下来想一想。那些反复涂抹的、带着精神重负的面孔，已经在手上形成了一套近乎本能的动作记忆。所以在江边打动我的，并不是“花”这个题材，而是那种存在方式：被挤压、被忽略，却依然从坚硬中挣出一抹颜色，可谓＂苔花如米小，也学牡丹开＂。这和我画人物时所关注的精神状态是同构的。也就是说，与其说是我选择了花卉，不如说是那个视觉经验击中了我既有的绘画惯性。构思在这里不是先于行动的预设，而是行动之后的回溯性命名。真正驱动创作的，往往是身体记忆与当下感知之间的突然接通。惯性使然恰恰说明，绘画语言的内化可以自动回应外部刺激的程度——这不是省事，而是长期劳作之后获得的一种自由。