对话王晓辉＆周一新 | 跨越十二省的“墨局”：水墨边界的拓宽与当代大美之思

王晓辉：中国画的定义从来不是固定不变的，它会随时代不断延展边界。无论是我个人，还是每位同行在创作上的实验与突破，都在拓宽中国画原本的范畴。在 “中国画” 这个大框架下，它与各类艺术观念碰撞、融合的过程，都会持续拓宽自身的边界。举两个例子，齐白石与李可染是师徒，李可染带着自己四十年代画的方形构图的风景习作拜见齐白石，既非传统立轴也非横卷，齐白石看完直言：“你这算不上山水，只能叫风景。” 可反观齐白石本人的山水，笔墨简淡随性，既不效仿宋画的精工，也不临摹元画的雅致，属于明清山水传统式微后，独属于齐白石的个人风貌。再看黄胄，如今各大拍卖、大型展览都将他视作中国画代表，没人会质疑他作品的归属。但回溯上世纪八十年代，北京一众深耕传统山水的京派画家，都不认可黄胄的作品属于中国画。到如今，短短五十年过去，如今只需一眼宣纸笔墨，大家便公认这是地道中国画，足以见得标准一直在改变。

周一新：所以我始终觉得，中国画不可能有一个精准、永久的定义，它始终处于变化之中。无论我们是否愿意承认，如今的中国画，和古代传统绘画早已相去甚远。

张染：顺着传统绘画的脉络梳理，我们能发现，观画群体本身会反向影响创作走向。单说人物画，古代早期多绘制于祠堂、佛龛造像之上，受众是特定人群；后来文人画兴起，观画主体大多转为文人士大夫。想听听两位老师如何看待观画群体与创作之间的关联。

袁武《人流》317cm x 144cm x 8 中国画

王晓辉：观众评判中国画的标准，取决于他们接受的美育背景是被旧时代传统绘画熏陶，还是以当代视角、当代美术教育体系来解读作品，二者会形成截然不同的时代判断。就我自身创作而言，传统笔墨、徐蒋体系写生这两类作品，如今早已被大众公认属于中国画，不存在争议；国家需要的主题性创作，我也会用心完成。而徐蒋体系下，如何用笔墨写实、刻画鲜活的现实人物，是美术课堂的基础教学内容，也是我们八十年代接受现代艺术思潮时，反复反思的课题。但属于我个人、极具自我表达的创作特色，我绝不会舍弃。笔墨如何适配现代创作、转换表现各类物象，只是纯粹的技术问题；等这套笔墨技法完全成熟后，我会进一步深度探索，把自身的生活态度、审美意趣，乃至一些难以直白言说的思考与心绪，全部倾注到画面当中。

王颖生《列宾》140cm x 200cm 中国画

周一新：功底扎实的创作者，既能驾驭宏大完整的主题创作，也始终不会遗忘内心真正想要表达的内核。落笔创作时，很多时候并不会刻意揣测观众的喜好与评价。

张染：我特别欣赏周老师展厅的陈列设计，整套展陈完整呈现了一位中国画创作者的思考脉络，以及在创作道路上不断突围、突破自我的过程。

周一新：前段时间我在馆内，从一号展厅陪同观众交流到三号展厅，全程和观者沟通，我自己也收获良多。那一刻我不再只是创作者，更像一名普通观众，和其他参观者平等交流。无关专业与否，大家只是一同观展，观众愿意坦诚分享感受，我也能把自己的创作思路完整讲透，这种交流十分珍贵。

曹宝泉《背孩子的男人》纸本水墨 70X140cm 2021年