当中国画遇到AI：危机、转机与艺术史都将翻开新的一页——“我们⁺ · 张望水墨与AI时代”学术研讨会（上）

【观点摘录】

在当下，人类社会迈入AI时代已是不可阻挡的趋势。而本次以AI为主题的张望个展，在中国美术史上尚属首次，张望无意间开拓了艺术史的全新一页。

【发言全文】

张望谈到，他在中国美术馆第6展厅展出的《新世风景》是5幅AI与人进行人机合作完成的水墨作品，在创作过程中尝试运用AI辅助创作。正中间的这幅是张望完全原创的水墨作品，另外四幅则是由人工智能学习这幅原创作品后，基于原作生成的AI水墨作品，张望再对AI生成的作品进行进一步调整改造，最终将其重新创作呈现于纸上。除此之外，展厅内的其他作品大多是以AI为表现主题创作的水墨作品，用水墨语言表现AI高速发展的新时代。第6展厅《生成》这一组10幅作品并未脱离水墨传统，只是用水墨语言呈现了人工智能对人类未来的幻想。因此，它不属于与AI工具深度协作的水墨创作。本次展览的作品大致可以分为两种类型：一种是以AI为主题的绘画作品，另一种则是张望与AI人工智能协作创作完成的绘画作品。

在当下，人类社会迈入AI时代已是不可阻挡的趋势。而本次以AI为主题的张望个展，在中国美术史上尚属首次，张望无意间开拓了艺术史的全新一页。我与张望相识多年，这次观看他的展出作品，感触格外深刻。他的创作早已脱胎换骨，全然不再是我印象里的旧有风格。在我看来，他正在推动自身艺术的转型，实现颠覆性的突破；但同时我也发现，最终成型的作品里，他对线性的运用、对水墨画黑白关系的把控这些核心特质都完整地保留了下来。此外，张望这次创作使用的材料也和以往不同，运用了一种酷似皮纸的新型材料。张望对画纸性能的精准把握，让他的作品与传统水墨画形成了鲜明区别，这种纸张能将画面的层次与肌理呈现得格外出众，哪怕是极淡极细微的笔触，最终也能构建出丰富饱满的视觉层次效果。本次展览展出的所有作品，均为张望近两年创作的新作，受场馆条件限制，仅展出了其中一部分作品。他之所以能保持稳定的较快创作速度，一是得益于材料的特性，不能反复修改；二是得益于他多年笔墨经验的沉淀，画面一两遍便可停笔，最终成品的层次效果依然十分出众。看过这批作品后我十分感慨和激动，和我以往认知中的张望相比，他此番创作给人的感受完全不同，称得上脱胎换骨。这次展览也在张子康先生与裔萼女士的推动下办得十分成功。从我个人的角度来看，张望这批出色的绘画作品，为中国美术界做出了极具历史性意义的贡献。

本次展览作品呈现出的视觉效果变化，是张望创作风格转变的一个侧面，而这种探索对艺术家而言尤为重要。张望原本最擅长描绘年轻女性，现在他将目光投向AI题材，创作风格发生了很大转变。他先后担任山东美术馆馆长、山东省美术家协会主席，参与了大量社会美术工作，这些岗位让他在整体创作中积累了丰富的社会经验，也让他与社会、与时代建立了更紧密的联结。工作性质的转换本身也推动了他创作风格的转变，我认为这种转变对张望来说是极其可喜的，更是水到渠成、自然而然的结果。我一方面盼望张望能在绘画创作上持续探索，另一方面也期待他在与社会、时代的积极联结中，愈发明晰当下的创作方向。

何家英（中国美术家协会副主席、国务院文史馆馆员）：

【观点摘录】

张望自始至终未曾停下探索的脚步，创作的全程本身就是一个不断思考、凝聚时代精神的过程，也正因如此，才造就了他这些难能可贵的创作成果。他的艺术探索，为中国画的发展注入了全新活力，起到了至关重要的推动作用，也推动中国画界开启了更具深度的艺术思考。

【发言全文】

“我们⁺——张望水墨与AI时代”展览展出的作品，很难用现有的中国画概念去评判与界定。在我看来，这些作品本就不该被门类划分所束缚，预先设定的边界本身就是对艺术创作的一种限制。事实上，张望在艺术创作中，早已打破了传统与现代、工笔与写意、东方与西方的门类壁垒。他的创作始终聚焦艺术最本源的命题，数十年来始终不断探索，恰好为中国画的现代性转型贡献一个生动的个案。

张望在创作探索的过程中从西方艺术中借鉴颇多，也深受启发，进而对艺术的本质展开了重新思考。但这件事究其根本，早已不止是“现代性与否”的议题，而是进一步追问艺术本应是什么形态，艺术本身又该承载怎样的内涵。本次展览展出的张望近年新作，将这份探索成果展现得格外明晰，他已然从过去摸索探路的阶段，步入了创作相对成熟的全新阶段。

刚才张晓凌说得特别到位，张望艺术造型核心关注的是结构而非笔墨。这不同于他早期作品的现代性表达，特意借用西方刚硬直线、刻意追求的创作方式。我们谈论传统时，很容易困在传统的固定范式里，比如传统山水画中山石、树木该如何排布落笔，久而久之这些既定规则就成了僵化的创作套路。张望借鉴传统没有套入现成的框架，而是回归造型本该有的形态，让笔墨结构本身承载作品的精神内核。

我们的生活本身充斥着种种矛盾。当下面对AI的诞生，人们总会不自觉地去探寻人和天以及宇宙未知力量之间的深层联结；人在现代性充满很多困惑，一方面对AI高速发展感到恐慌不解，一方面又忍不住对其产生依赖。虽然物质得到了极大丰富，精神却陷入极度空虚。这些时代催生的社会问题与现象，都在张望的这批创作中有所呈现。

换言之，他的笔墨结构探索绝非空洞的形式实验，笔墨结构本身就承载着清晰的精神表达；也正因此，他的作品才具备了鲜明的时代性。

我反倒认为，AI是他创作的出口，是承载他艺术表达、塑造个人艺术风格的媒介。他借助AI是以人工智能的形态，或是以人机结合的方式，传递出了超越创作者本身的艺术状态，却恰好契合了他想要表达的当下艺术的时代特征。

不难发现，张望的作品中藏着埃及艺术与古希腊艺术的影子。这些古代艺术诞生之初，本就是天地之间、人与宇宙相互沟通的载体，承载着精神层面的联结，其中古埃及壁画更蕴含着诸多至今仍难以言说的神秘内涵。而在张望的作品中，这些源自古艺术的造型恰好承接了这份精神性，也正因如此，他的创作从未止步于浅层的表象写实。

当下中国画创作正面临发展瓶颈，这一问题在不少年轻创作者的国展作品中尤为显著。摄影门槛降低，相机使用愈发便捷，许多创作者完全依赖相机拍摄素材，用设备取景替代了自身对世界的主动观察，让照片和视频成了创作的主要源泉与素材，恰恰缺失了创作中最重要的精神层面再思考。也就是古人提出的“外师造化，中得心源”中，“心源”维度“迁想妙得”这一核心创作过程缺失。

张望自始至终未曾停下探索的脚步，创作的全程本身就是一个不断思考、凝聚时代精神的过程，也正因如此，才造就了他这些难能可贵的创作成果。他的艺术探索，为中国画的发展注入了全新活力，起到了至关重要的推动作用，也推动中国画界开启了更具深度的艺术思考。

我祝贺张望。

张晓凌（中国国家画院原副院长、华东师范大学美术学院教授）：

【观点摘录】

张望这场展览，与其说是展出他近期的创作成果，不如说是他向时代抛出了一个深刻的问题。这一点，或许比他本次展出的作品本身更有价值，也更具开拓意义。

【发言全文】

刚才裔萼主任说得非常透彻，在人工智能时代，中国画究竟该如何作为？这其实是关乎中国画存亡的核心问题。目前中国画表面一派繁荣。从事创作的人数众多，产出的作品体量也很大。前段时间我专门写了一篇文章讨论这个问题，后来由《文艺报》发表，刊发时文章有所删减。

我那篇文章的题目是《非遗化繁荣与当代艺术缺失》，核心观点就是“非遗化繁荣”。现在的中国画看起来声势浩大、发展繁荣，全国各地每天都有大大小小的中国画展览开展，但它却越来越接近非遗文化。因此，我将这种状态称为“非遗化繁荣”——艺术市场也正是将它当作非遗交易。很多藏家购入了不少中国画，这些作品其实并没有太大价值。

面对这种现状，我不禁发问：中国画到底应该走向何方？归根结底，中国画究竟该走向消亡还是持续发展？是要作为非遗藏品被封存进博物馆，还是应当参与我们当下的精神生活建设，真正嵌入当代人的精神生活体系？而现状是，它至今都没有融入我们的精神生活体系，是不是这样？请大家想一想。我用一个词概括当下的问题，叫做“精神简化”。虽然已经出现精神简化的问题，但现在我们所有人都避而不谈这个问题，谁都不肯直面它。我近来看到几位自媒体人的观点十分中肯。从这类现象中不难看出，我们大多偏于保守，在学院体系里浸润太久，想说真话本就不是易事。不过，我认为此番针对中国画的批评，固然有偏激之处，却也存在合理的见解。

张望水墨绘画的核心问题，从本质上说是中国画的发展问题。当今中国画究竟该如何发展？在人工智能时代，中国画是否仍具备独特价值？若有价值，又该如何呈现这份价值？我认为，张望这场展览，与其说是展出他近期的创作成果，不如说是他向时代抛出了一个深刻的问题。这一点，或许比他本次展出的作品本身更有价值，也更具开拓意义。

刚才，杜大恺老师提到，张望无意间开辟了艺术史的全新篇章，推动艺术创作与人工智能的结合。在我看来，正是张望率先提出了这个属于时代的问题，剩下的就留给我们作答，而这个问题的解答确实存在不小的难度。张望的创作可以从两个维度来看：一方面是创作以人工智能为主题的绘画，另一方面则是探索水墨绘画领域的人机合作模式。

说到人机合作，前几天刚好发生了一件特别有意思的事。我请一位人工智能高手帮忙，让AI按照我的要求生成一张图片。我俩忙活了一整天，最后AI居然“罢工”闹起了脾气，开始乱输出，所有处理好的图片全都出了错。我们统计了一下，前前后后给AI下达的指令一共五千多字，篇幅差不多赶上一篇论文了，最终AI也没能理解我们的意图。最后，我们停掉机器，搁置了1个小时后重新启动调试，才慢慢生成符合要求的图片。这件事让我深有体会，实际上在我们和AI对话的过程中，尤其是在艺术创作领域，AI的理解能力远比不上人类。在我看来，目前人工智能终究只是我们的助手，本质上依旧是一种工具。

张望通过这场AI与水墨对话的展览，向我们抛出了一个至关重要的问题。未来的中国画，从创作观念、内在结构到最终形态，究竟会走向何方？本次展览已经给出了初步答案，在这一领域具有重大的开拓性意义。

截至目前，我还没有见过其他创作者以AI为核心题材进行创作，只有部分涉及人机共生主题的作品。其实，早在2024年，张望就已经开始创作与AI相关的绘画作品，那一批作品都还属于比较早期的探索。这次展览展出的作品，无论体系还是完整度都要成熟许多。为什么说张望开拓了一个全新的中国画创作时代？首先，他创作的绘画特质非常有意思，可以用“进化，退化”四个字进行总结。所谓“进化”，是指他画中的人物已经带有“反人类”的特征，因为这些都是AI时代被技术驯化后，产生变异，甚至被高度异化的人。这些作品将人性压抑到极致。画中每一个人都伫立在原地，面无表情，或许会令人感受到一种疏离？这和我们以往看到的人物画截然不同，比如罗中立的《父亲》，我们会因为画中人物是鲜活真实的普通人而动容落泪。但在张望的作品里，人物却带着一点非人的疏离感，所有人的眼神与姿态，都褪去了碳基生命本该有的鲜活情绪，这其实是一种隐喻。说不定未来我们人类就会进化到这种状态。如今，我们的感情是不是比二十世纪五六十年代淡薄了许多？人类或许正在一点点压抑住自身人性的部分。我说得或许有些严重了。但我个人抱有一种危机感。马克思提出异化理论至今已近两百年，直到今天，人类的异化才真正开始。这非常危险，对我们碳基生命而言尤其凶险。最终，人类将不再像人类，张望的绘画中就传递出这个信号，同时也成为一个符号。说白了，就像一座灯塔为我们照亮方向，那就是我们该走的方向。你是不是觉得照这样发展下去人会变得越来越没有存在的意义？这部分我称之为“进化”。

还有一个叫“退化”。什么是“退化”？随着人机结合的发展，一方面人类逐步进化为新人类，甚至可以说是非人类；而另一方面，则是通过画面结构与氛围的营造，重新回到艺术的原点，这就是我所说的“退化”。所以我一直在提“退化理论”，为什么要提出这个理论？因为当代艺术早已被异化得面目全非。我们需要以返回原点的方式，追问艺术发展的本质究竟是什么。我知道原因很多，也很复杂，但最起码，返回艺术原点有两个核心功能。其一，它能够表达人类的灵性。人是万物之灵长，灵性是我们的核心，灵魂是我们的根本，可恰恰在当下，人类的灵魂已经变得愈发苍白。返回原点的思路本身带有反主流叙事的特点，一共包含三个层面：魔幻、原初和巫术。张望的作品带有巫术特征，这非常可贵，因为艺术本就起源于巫术，这正是对原点的回归。其二，人类发明艺术、发明文字实现沟通人与神的关系。中国文字很伟大的地方就在于它是象形文字，上帝可以看得懂。我们最早的图形和文字是沟通人与神的关系的一种途径和媒介。

所以我认为，回归灵性或标榜非人类，是张望艺术创作中一个值得探讨的核心悖论。这并非我凭空捏造、刻意强加的解读，而是张望的作品本身就自带强烈的悖论属性。其实不止他，如今许多西方顶级艺术家的创作也都蕴含着鲜明的悖论特质，而这份矛盾性恰恰是作品的价值所在。它让中国画开始拥有思想，能够向观者抛出问题。

反观当下不少山水画、花鸟画创作，内容空洞，和我们当代人的精神生活毫无关联，而张望的作品恰恰叩问了当代精神生活的核心命题。一方面，当人性被高度抽象、异化为扁平的符号，人们愈发渴望回归本真灵性。这不正是我们当代人真实的生存状态吗？要读懂张望近期作品的深层内涵，只有具备这样的视野和思考，才能读出其中滋味。另一方面，张望的这场展览还有一个极为重要的贡献，即彻底颠覆了中国画的传统范式。我隐约察觉到，张望怀抱着一份创作野心。他正尝试借助一套全新的语言范式开展创作，而这套范式涵盖语汇、文法、构图等诸多层面，体系相当复杂。张望敢迈出这一步，已然相当难能可贵。倘若用谢赫提出的传统“六法”品评张望的作品，显然行不通，因为两者根本无法对应。因此，以笔墨为核心的传统绘画理论，在张望的创作中已经不再适用。

这正是中国艺术家最应当去做的事。作为活在当下的创作者，身处AI浪潮席卷、高度全球化的时代，难道还要去画那些早已过时、脱离当下精神生活的传统内容吗？这样的创作本就没有意义。而张望的绘画艺术，恰恰将中国画拉回到了以绘画本身进行思考的维度，这就是他最大的贡献。

接下来我再谈谈语言范式这一中国画的核心问题。中国画能否延续生命力，关键在于能不能创造出新的语言范式。如果创造不出来新的语言范式，那么整个领域都会走向衰微，创作也会失去价值，这并不是危言耸听。既有的创作范式无非两类：一类是无人化体系，一类是人化体系，绝大多数创作者都无法跳出这两套体系之外。张望的绘画不能用现实主义的框架进行衡量，他的创作已经超出现实主义的范畴。

那么，我们今天评价中国画，究竟该采用什么样的标准呢？从语言角度来说，我认为第一是观点。艺术家必须主动思考，不经过思考的中国画在当代毫无价值。第二是结构。笔墨本身并不重要，重要的是结构。尤其是创作大尺寸作品，结构才是核心，笔墨远没有那么关键。只要创作大幅作品，结构一定是重中之重，而画面构图能力，是决定当代中国画家创作水准的核心标准之一。当年我和刘骁纯老师曾讨论过这个问题，他把绘画结构放在第一位，而我把创作观念放在第一位。中国画发展到今天，还用传统“六法”衡量当下的创作显然已经不合适了？两千多年前的标准沿用至今，那只能说明我们中国人太缺乏创造力了。所以，我们完全可以对观念、结构、笔墨的顺序重新排列，创造一套新的“六法”。这个问题值得我们共同思考。我们需要建立一套新的语言范式，而衡量这套新范式的标准应当是什么？这是我们必须直面和思考的问题，也是摆在在座各位面前的一个严峻挑战。我常说，若将中国当代艺术与西方对比，我们最落后的环节从来不是艺术家，而是艺术理论家。我们在理论层面与西方的差距，远远超过创作实践层面的差距，这个问题已经十分严峻。迄今为止，中国当代从未诞生过真正具有创造性的原创理论，这一点非常值得我们深思。

正因如此，张望的这场展览带给我们一个重要启示。面对这类全新的创作实践，我们能否真正建构起属于中国自己的当代艺术体系？如果不深入生活现场，不亲身观察具体的艺术创作，不感知时代的脉搏变化，不捕捉创作个体的认知与表达变异，就不可能搭建起真正具有建设性的当代艺术理论体系。从这个角度来说，我认为张望在中国美术馆举办的这场展览，有着非常重要的意义。正是鲜活的艺术创作，才能推动艺术理论家给出真正贴合当下的解释。最后，我再补充一点内容。我和张望本人接触不多，但对他的作品比较了解，他的创作正是从传统现实主义一步步发展到如今的样貌。随着大时代的发展，艺术家需要不断自我审视、自我反问、自我剖析，始终校准创作方向，才有可能和这个时代并肩同行。张望做到了与时代同频，十分了不起。

我更愿意将张望看作一位救赎者，为什么称他为救赎者？因为中国画若是再不寻求突破与自我救赎，当真要沦为仅供陈列的非遗了。随着AI时代的到来，不少人觉得中国画已经失去了存在的意义。而我们中国人要做的，正是直面新时代、回应新时代抛出的新问题，用我们自己的智慧给出属于中国人的答案。答案或好或坏、或准或偏都不重要，重要的是我们敢于回应这个时代之问。对中国当代艺术、对中国当代艺术理论家而言，我个人认为，AI时代恰恰是一个充满可能性的机遇期。面对我们与西方理论界、西方当代艺术在实践和理论层面存在的差异，我们完全有可能在这个时代实现弯道超车。倘若我们和中国的创作者们都能抓住这次机遇，便能为世界当代文明贡献属于中国的独特力量。张望绘画的意义，正在于此。

张子康（中央美术学院教授、博士生导师）：