以彩墨绘就时代与心灵——林天行：现代中国水墨的革新者

作为香港美协主席、中国美术家协会香港会员分会主席，林天行以超过四十年的艺术实践，在现代中国水墨领域开辟出独树一帜的路径。他的绘画游走于传统与现代、东方与西方的边界，既承继中国绘画的精神内核，又突破技法与审美的固有框架，最终形成兼具“中国性”与“现代性”的艺术风格。从香港的都市景象到西藏的雪域神山，从荷莲的圣洁绽放至菖蒲的坚韧生长，他的每一幅作品都承载着对时代的观察、对自然的敬畏，以及对生命的深情。

林天行《秋天的话》

97cm×89cm水墨设色纸本

1994

艺术理念：打破边界，融合古今中西

林天行的艺术理念，始于对“古今中西四维挑战”的深刻回应。自清末以来，中国画家始终面临如何平衡传统与现代、东方与西方的难题，而林天行给出的答案是“打破界限，自由融合”。林天行明确赞同徐悲鸿“中西合璧”的主张，反对将“中国画”与“西洋画”割裂对立，他曾直言：“没有必要去划清‘中国画’和‘西洋画’的界限，也没有必要抱着中国画的态度来画中国画，井水不犯河水的结果只能是永远也领会不到两水相溶的美妙。”这种开放的态度，并非对传统的否定，而是对“活的传统”的继承——他反叛的是明清以来格式化、缺乏生命力的文人画套路，却对北宋郭熙、巨然的山水精神，明代徐渭、八大的艺术人格由衷钦仰，更推崇石涛“笔墨当随时代”的理念。

邵大箴在《表达真情与爱》中指出，林天行的艺术“一直显示出独特的个性面貌：反叛传统的样式和承继传统的精神”。他少年时先后学习中西绘画，1989年赴中央美术学院进修后，既夯实了传统笔墨的功底，又未被传统束缚。在他看来，艺术的价值在于“回应时代”，而非固守陈规。面对香港这座现代都市的“满眼直线”，他意识到传统山水技法已无法表现工业文明的质感，于是主动借鉴西方艺术的块面造型、抽象表达与色彩逻辑，将其与中国水墨的“意象”精神结合。正如林天行在他的《绘画笔记》中所说：“现代艺术观念的转变是不受传统审美定义的制约，站在更高的地方去看过去和未来，不分中西、不分时空，全捏在一起，靠自我的想像和直觉的力量，创作自发原创的艺术。”

这种理念在他的创作中落地为具体的实践：他从西方点彩技法中获得灵感，将物象拆解为色彩的点与块；从抽象艺术中汲取自由，却始终保留中国画的“气韵”；即便运用浓烈的西画色彩，画面深处仍透着敦煌壁画的光影神性与水墨的呼吸感。他的融合，不是技法的简单叠加，而是“外师造化，中得心源”的现代演绎——以自然为师，以心灵为源，让中西艺术元素在情感与精神的统一下共生。

林天行《走进大湾区》

204cm×145cm水墨设色纸本

2022

技术语言：色彩、构图与笔墨的创新表达

林天行的绘画之所以极具辨识度，源于他在色彩、构图、笔墨三大技术维度的突破性探索，这些探索既服务于他的艺术理念，也让现代水墨的视觉可能性得到拓展。

（一）色彩：墨色与重彩的平等对话

传统文人画以“墨分五色”为核心，色彩多为点缀，而林天行彻底打破这一认知，让色彩与墨拥有同等的叙事地位，甚至在部分作品中，色彩成为情感表达的主角。金耀基提到，林天行的画“以彩色之美名世”，其色彩魅力“几乎使人无法抗拒”。他对色彩的运用兼具“浓烈”与“通透”的特质：画西藏时，用冰蓝与火红对比，表现雪山与阳光的碰撞，如《阿里行》中“冰火相接的色块”，既显雪域的神秘，又藏宗教的庄严；画荷花时，大量使用金色——“金色是所有颜色中唯一永远不会变色的，也代表永恒”，《金荷》《祥光》等作品中，金色荷瓣在水墨晕染下，既有圣洁的仪式感，又不失灵动；而在黑暴与疫情时期的菖蒲系列中，他转向黑白灰的沉郁色调，仅以少量留白点睛，如《幽思》中“淡墨分割的画面”，中间的空白似一扇通往光明的门，传递对生命的期许。林天行的色彩实践还包含“双积法”的创新——既积墨又积色，让墨与色在层层叠加中形成丰富的层次。邵大箴评价这种技法“既空灵又浑厚”，如《荷塘烟雨》中，“墨分五色”的传统被拓展为“彩分多阶”，水墨的浓淡与色彩的冷暖交织，似烟雨朦胧中的荷塘，既有写实的质感，又有写意的意境。他曾幽默地说自己是“好色之人”，这份对色彩的热爱，实则是对生活与时代的敏感——香港的霓虹、西藏的霞光、荷花的绚烂，都是他用色彩捕捉的时代切片。

林天行《狮山彩虹》