以彩墨绘就时代与心灵——林天行：现代中国水墨的革新者

142cm×72cm水墨设色纸本

2024

（二）构图：打破透视，重构空间逻辑

传统山水画以“三远法”构建三维空间，而林天行则转向“平面化”“饱满化”的构图，以鸟瞰视角重构世界，让画面充满现代都市的几何美感与节奏张力。在《景象香港》系列中，这种构图尤为明显：《新界晴雨》采用放射式构成，从高空俯瞰香港的山与海，泼墨的色块如云层翻滚，街灯的线条如琴弦纵横，鱼群似在空中跳跃，房屋似在倾听海浪，所有元素在平面上共生，却因色彩的层次生出空间纵深感；《码头》描绘繁忙的香港码头，“灯火辉煌，水天一色，富强烈节奏的线条穿插其间”，传统留白被填满，取而代之的是都市的拥挤与活力，恰如香港“寸土寸金”的城市特质。何佳霖在《一半天宫》中评价林天行的构图“线与线的关系，物体与物体的互相制约，和谐且富有个性”。他的画面极少留白，却不显杂乱，秘诀在于“取舍与重组”——他会解构传统山水的形态，提取自然与都市中的核心元素，再以抽象的逻辑重新排列。如《狮山云涌》中，云被披上金色，与狮子山融成一片，“稠密与稀疏相间有序”，每一朵云都是“一次回眸与驻足”，既象征香港的凝聚力，又暗含“狮子山精神”的坚韧。这种构图，既是对现代都市“纵横交错”视觉体验的回应，也是对中国传统“散点透视”的创新——不局限于单一视角，而是将不同时间、空间的景象压缩于一画，形成超现实的“意象空间”。

（三）笔墨：传统筋骨与现代自由的共生

林天行的笔墨，是对传统的“创造性转化”。他并未抛弃中国画的笔墨根基，反而在传统技法中注入现代活力。金耀基指出，天行的线条“浓淡、粗细、长短，或弯或直，或显或隐，助长了画的气韵与灵动”，这正是他对书法用笔的继承——画荷茎时，线条纵横穿插，似狂草的笔势，“像交响乐中各种乐器的和鸣”；画菖蒲时，线条刚劲如剑，似篆书的筋骨，传递“斩妖除魔”的力量；即便画香港的高楼，直线的运用中仍藏着书法的提按顿挫，避免了西画线条的僵硬。

同时，他突破传统笔墨的“程式化”，将“块面思维”融入其中。他曾说：“我喜欢把大自然中的物象都看成各不同形状的平面，用块面思维方式观察事物更加简练，更加整体，去掉一切繁缛的细节，凸现明确而有力的绘画语言。”这种思维让他的笔墨超越“线的叙事”，进入“面的表达”——《洁净的地方》以大块面的水墨与色彩表现西藏神山，笔墨的晕染与色块的叠加，似神山在光影中的变幻，既有传统山水的雄浑，又有现代抽象的张力；《流光》中，菖蒲的笔墨“寥寥几笔就看到它背后辽阔的山川与人文”，笔墨的简与意境的丰形成鲜明对比，尽显中国绘画以少胜多的精髓。

林天行《明珠焕彩》

184cm×144cm水墨设色纸本

2023

主题系列：以题材为载体，传递情感与思考

林天行的创作主题始终与他的生命体验、时代感知紧密相连，从《景象香港》到《西藏》，从《天行之荷》到《菖蒲集》，每个系列都是他艺术语言的延伸，更是他对世界、对自我的深度对话。

（一）《景象香港》：现代都市的水墨定格

1984年移居香港后，这座第二故乡的都市景观成为林天行艺术革新的起点。面对维多利亚港两岸的高楼森林，他意识到传统的山水画法已无可措手，于是开始探索表现现代都市的新语言。《景象香港》系列（1997-1999）中，他既画香港的繁华，也画新界的野趣——《黄耀的海港》《码头》等作品以浓烈色彩、几何线条表现都市的繁忙与活力，画面“更像是西方现代抽象画，几乎看不到中国水墨画的踪迹”；而《家在五彩秋风里》《开满葵花的家园》等作品，则以写意笔墨与彩色渲染，展现新界乡村的宁静，现代性中总带有挥之不去的传统情调。

林天行画香港，并非单纯的景观再现，而是对都市生活的情感投射。他眼中的香港，是现代与传统的混合：公园的长椅、月色下的屋村、风雨中的巴士、霓虹闪烁的海港，这些日常景物在他的笔下，都变成造型崎岖、浪漫、彩色斑斓绚丽，实境与虚境相互渗透的视觉美学。他试图用水墨诗化铺天盖地的机械文明，让冰冷的都市充满人文温度。这些作品“以独特的视觉方式，融合中西、游走于具象与抽象之间，将精神的真实与感觉的形象化呈现出来”，成为香港都市文化的重要视觉记忆。

林天行《狮峰屹立》

184cm×144cm水墨设色纸本

2023

（二）《西藏》系列：自然与神性的精神升华

1999年的西藏之行，是林天行艺术生涯的重要转折。他三次赴藏，甚至冒着生命危险登上5000米以上的阿里高原，“西藏是让你不要命的地方”，这份执着源于他对天地精神的向往。金耀基提到，林天行曾说“在中国画美术史上没有人画西藏山水的”，这种无可借鉴的处境，反而让他彻底挣脱传统束缚，创造出全新的山水语言。

《西藏》系列中，他以“外师造化，中得心源”为准则，直接师法自然，又经心灵重构。2007年展出的百幅《天行西藏》作品中，《阿里行》以冰火相接的色块表现雪山与阳光，看不到传统青绿山水的影迹，却藏着敦煌壁画的光影神性；他在阿里托林寺门前画就的2000厘米土林写生长卷，三小时画就，六七分写实，三四分抽象，后来还将三百年前的古格王朝纳入画面，是超越时空的取舍。这些作品的核心，是对神圣性之美的表达——《洁净的地方》《神圣的家园》等作品，以纯净的色彩、宏大的构图，将观者带入“璀璨圣洁、佛光闪耀的天国境界”，既是对西藏自然与宗教的致敬，也是对现代人心灵缺失的弥补。

（三）《天行之荷》与《菖蒲集》：生命与时代的隐喻

荷花是林天行艺术生涯中最持久的主题，这份执着源于他的童年记忆——故乡福建的莲花峰，祖母口中荷的佛性联想，让荷成为他精神的象征。2003年，他“找到了属于自己之荷”，随后发表《写给荷花》，举办《天行之荷》展览，开启香港艺坛的画荷传奇。他的荷，不是传统文人画中“避世寂静”的君子，而是人生的百态：《祥光》《净植》中，荷花以浓烈色彩绽放，象征生命的绚烂；《荷塘烟雨》中，枯荷在水墨中挺立，体现生命的坚韧；2010年香港大会堂展览中，他将画好的荷花撕成碎片重组，碎片像飘落绿水的荷瓣，艳丽的色彩预示着生命的轮回，中间再画新荷，象征生命循环中的新可能。

而菖蒲系列，则是林天行对时代困境的回应。2019年香港黑暴期间，他「心情沉重，一改以往以荷为主题的风格」，选择菖蒲——「菖蒲在中国人的传统观念中，有斩妖除魔迎吉象的深意，而且菖蒲有旺盛的生命力」；2020年疫情暴发后，他继续画菖蒲，《幽思》等作品以黑白灰为主调，「整体沉重，与去年以重彩为主的作品完全不同」，画面中间的留白「打开的是阳光那面」，传递战胜疫情的希望。他本想画100幅菖蒲，却在第100幅时停笔，「一种深沉的窒息感袭来」，最终展出99幅，这份遗憾，藏着他对香港的深情与牵挂。

林天行《欣听》