对话李向明 | 远离“中心”，游走边缘，寻觅艺术呈现形态的新可能

摄影图片组合

189cm×80cm

2025

漫艺术：2024年新诗《闲事》中“除了生死哪一件不是闲事”与《灾情》对天灾人祸的诘问，是否与装置作品形成了一种精神共振？诗歌创作和您视觉表达之间是一种什么关系？

李向明：是的，您用“精神共振”这个词很准确。在我这里，诗歌、装置以及绘画等，是一个互补性的整体。有朋友常常用“多才多艺”来形容我，其实不然。多才多艺的人很多，比如琴棋书画，诗词歌赋样样通的人，那叫多才多艺。传统的才子佳人都是多才多艺者，多以表达自己的素养云云。多年前，我就对媒体回答过这个问题。各种创作形式都有其优长与局限。诗歌，作为语言学范畴，具有不可替代而独特的表达方式与阅读魅力；而装置也好绘画也罢，各种艺术形式都是视觉语言范畴，所能表达的方式与欣赏魅力同样是不可替代的。虽然，诗歌往往也可以用一张画来表现；一张画也可以用一首诗来解读，但它们都不是它们各自的真实存在。我之所以涉猎不同的创作形式，就是由于某种单一的形式常常感觉不能尽言，于是涉猎其它领域。

关于“除了生死，哪一件不是闲事”，这是仓央嘉措《空地》中的诗句。大佛看透的事，是对众生的安慰。其实，众生一辈子就是为了“生”而奔波，为了“死”而忙碌。“天灾人祸”实际是底层逻辑的常态，无解的常态！

◎街头的现代主义

图片组合任意大小

2025

漫艺术：您早年提出“补丁美学”，强调修补与再生。在近年的装置作品中，比如对老柴门的重构，是否可视作对“补丁”概念的立体化扩展？

李向明：虽然，“补丁美学”的提出是从形式语言出发的，但从更深层次思考，是有社会学意义的。比如梁漱溟的改良主义思想，就是在原有社会基础上的改造、修正。历史已经证明，历代暴力革命，总要付出惨痛的代价。当下的乡村振兴，常见的是推倒重建，劳民伤财，得不偿失……因此，这个“立体化扩展”包括了乡村发展理念及视觉的乡村意象。

漫艺术：您在2025年参加了希腊的“中希交流展”，这一展览以“撕裂与弥合”为主题，聚焦古老文明的当代反思。在全球化冲突加剧的背景下，中国艺术家如何通过作品回应“弥合”这一命题？您的参展作品是否延续了您“补丁美学”对创伤与修复的隐喻？

李向明：当今世界面临着多重挑战，按联合国的说法是：地缘紧张、互不信任、“热”冲突，新冷战，一切期待建立新的社会契约来共同应对全球问题。“撕裂与弥合”这个展览，希腊媒体的报道认为：《展览》探索了裂痕与修复的情感与象征性情境——在一个充满分裂却又始终寻求治愈的世界里，以“撕裂与弥合”为主题，针砭时弊，切中现实，恰如其分地表达了当代人的普遍焦虑。

关于中国艺术家如何通过作品回应“弥合”，需要对作品进行具体解读。概括地说，面对当下，大家的参展作品普遍以揭示、批判、自省的态度切入参展主题。比如孙学敏的抽象表现作品《谎言》、王宝菊的行为影像作品《荒原》、滕宝庆的观念摄影《我是谁》等等。

我的参展作品与以往大不相同，我第一次以摄影图片为主体材料，缩放拼贴。正月在纽约街头拍摄了数百张无名氏们的涂鸦，基本都是来自垃圾桶、施工现场的临时围墙、报刊箱、广告牌等处。涂鸦的内容既有小广告宣传类的，又有无聊无畏的随便乱抹；既有表达个人意志主张的，也有发泄个人情绪与愤懑的……可以说无所不及。这些涂鸦，既是城市街头的特别风景，也是高楼背后的故事呈现；既有对城市规范的破坏性因素，又有补救与激活死寂的城市水泥方阵的作用。在一定意义上，城市涂鸦，就如一颗完整光滑的蛋壳上出现的一道裂缝，使得刻板的秩序中透过一道不一样的气息。它们既是一道城市的伤疤，也是在一定意义上对人性解放的补救。用这样的图片拼贴本身，就是补丁形式的再现。作品的视觉效果是超越最初想象的。

（采访/胡少杰来源：漫艺术）

艺术家简介

李向明，艺术家，涉猎诗歌、散文、评论、建筑等领域。作品参加了意大利威尼斯建筑艺术双年展平行展、北京国际艺术双年展等国内外学术展览100余次；获奖30多次。作品载入《共和国美术之路》《1979-1999中国当代美术》《1979-2019中国当代艺术四十年》《中国美术大事记》以及欧洲出版的《全球化在东方》等几十种史论专著文献。