丘挺｜重建中国画创作理论的“读画”意识

摘要：本文首先指出当代中国画创作理论存在“知”“行”割裂的突出问题，中国画研究过度偏向物质史、文化史等外部视角，源自创作现场的“读画之学”日趋淡薄。其次，通过梳理“读画”传统的知行内涵与品评体系，反思跨学科研究中观念先行、脱离作品本体的阐释偏向，强调中国画研究应回归画面笔墨、形式与生成过程，揭示出当代中国画创作面临的理念两极对立、笔墨空心化、题材同质化、市场与评价体系失序等问题，指出有“高原”缺“高峰”现象源于创作、展览、批评三者间的互动失效。并呼吁重建“读画”意识，回归作品本体、语言自身与创作现场，建构兼具传统文脉与当代视野的创作理论，推动当代中国画迈向经典、铸就高峰。

关键词：知行合一；读画；中国画创作；绘画本体；艺术批评

基金项目：本文为国家社科基金艺术学重大项目“中国画写意体系研究”（项目编号：22ZD15）的阶段性研究成果。

《传习录》言：

知之真切笃实处，即是行；行之明觉精察处，即是知，知行工夫本不可离。只为后世学者分作两截用功，失却知行本体，故有合一并进之说。真知即所以为行，不行不足谓之知。^[1]

王阳明以“良知”为知行本体，原不相离，分离多由私欲蔽塞而起，遂使“知”沦为口耳之谈，“行”化作无根之事。以此观照当代中国画创作理论，亦可见相近问题，一端是辨析与判断之“知”，一端是投身笔墨实践、把握作品生成之“行”。知不离行，理论方不致空谈。“知”“行”若拆作两截，关于中国画创作的讨论易失其尺度。

当下中国画界能够充分体现时代精神并形成审美典范的作品仍待涌现，其中一个重要原因在于尚未充分形成一套行之有效、能积极引领创作实践的自主理论话语。近年来，艺术史与物质史和文化史相关联，但也容易陷入将中国画作品当作物质史或文化史的“佐证材料”的陷阱，忽略了绘画之为绘画的根本。关于中国画的知识生产正以前所未有的速度向外部学科扩张，而作为真正从创作现场出发的“读画之学”则趋于淡薄。

一旦忽略对画面本体的凝视与辨析，理论写作便容易沦为空疏议论，难以真正进入当代中国画创作的根本问题之中。然艺术研究之所以必要，正在于它以中国画作品为对象，在政治、宗教与意识形态功能之外，追究中国画作为独特存在之形式机制与风格生成。重提“读画”，旨在重新确立中国画创作理论立论的基础。就当前中国画而言，这一基础须回应三个彼此关联的问题，即“为谁创作”“如何创作”“应创作什么样的中国画作品”。这关乎作品如何在时代生活与现实经验中确立自身的对象意识与精神指向；艺术家如何使经验真正转化为语言，使题材进入笔墨、形式与结构的生成过程；作品如何在视觉创造、精神深度与文化品格上建立可被时代检验的尺度。“读画”正是进入创作实践、回应这些问题的必由之路。

一、“读画”的传统

艺术的兴味常被视为不可言说的经验，艺术理论与批评的使命恰在于尝试为这种视觉感悟赋予一定的文本内涵。这种尝试中，艺术家的阐释往往因其直契“艺术本相”而展现出无可替代的本体价值。

正如20世纪西方“新艺术史”学派的推动者，艺术史家巴克森德尔（Michael Baxandall）所洞察到的：“词语中的一部分是明确的绘画用语，流行于画家作坊中，这些词语能告诉我们那些绘画爱好者所期望知道的关于艺术的东西。”这些绘画用语对应着具体的观看兴趣与判断尺度，也反映了非画家观众被期待具备的知识与兴趣点，为我们重建某一时代的认知方式提供了入口，而非仅以现代视角“读画”。