“无尽之域：康雷作品展”举办，“圆桌派”艺术家发言集锦

李啸非表示：艺术家或文学家的心性、职业以及对待生活和外界的方式是相统一的。尽管现在许多艺术家会将这些方面分开，但康雷仍然遵循着早年的方式。版画系特别注重研究形式和媒材，这两点在康雷的作品中仍然可以看到痕迹。

康雷在院校读书时期，作品的尺幅虽不算大，但非常有张力，她那时应对世界的方式充满了力量感，意图打动甚至征服观众。毕业工作后，康雷的心性依然保持着过去的样子，她利用零碎时间进行许多小幅创作。目前康雷有了更多完整的时间去做她喜欢的事情。康雷的变化和成长展现了她与生活和解的过程，而艺术成为了她调节内心平衡的方式，所以康雷对情绪或痕迹的感悟非常敏感。她在创作中的分寸感，以及她所呈现的结果，特别像水墨过程中的不确定性。康雷在创作过程中并没有预设结果，而是注重偶发式创作，这种非预设性更多的是为了愉悦自己。西方传统强调不重复前人，而中国艺术的特点不太纠结是否重复别人的路，更注重心性与场域的开放性，以及在过程中不断锤炼语言，让语言自然形成。

此次展出的作品只是康雷创作的冰山一角。康雷背后有大量的前期工作和创作未曾呈现给观众，这些内心的挣扎和纠结最终经过她的筛选，才得以展现。康雷目前的状态非常从容，这种状态并非凭空而来，而是与一种“理法”共存的结果。这种理法类似于版画中的规则和限制，如色彩的运用和画面的修正。版画的复制过程也充满了不确定性，需要在制作中考虑每一个细节，以避免失败。

康雷在水墨画创作中自由表达。她的作品，无论是风景、人物还是动物，甚至抽象构成，都找到了一种独特的方法，她将理法融入到创作中，同时试图打破这些规则给她的明确性。康雷的作品中边界的形状常常是不确定的，这反映了她在不可控制和可控制之间寻找平衡的过程。这与康雷在创作中找到自己认可的方法相似。这个过程就像是在不平坦的地面上倒水，水自然流动形成的路径，象征着康雷在艺术创作中找到自己独特道路的过程。

艺术家、策展人露茜安·芳塔娜

露茜安·芳塔娜表示：康雷此次展览中的作品展现了对传统框架的突破，她的作品开始呈现出雕塑般的立体感，这表明她可能正在探索一种新的表现手法和艺术路径。同时，康雷是否计划继续创作更大型的作品，采用更大胆的姿态，并在艺术表达上突破更多限制，甚至在多维度上进行更深入的探索，是值得关注的方向。这样的发展可能会为她的创作带来新的视角和更广阔的艺术空间。

康雷在回应露茜安·芳塔娜时表示：现代艺术语言极为丰富，包括声光电、体感等多种艺术形式。艺术家在做任何作品时，肯定是有边界概念的，先要认知边界这才是艺术家做好跨界的前提。在她试图突破作品的界限时，她在不停地反思是否真的需要？虽说“不破不立”，在跨界之后能“立”什么才是关键。

目前，康雷更倾向于将自己置于自由的创作状态中，先做各种尝试的加法，最终保留对作品概念至关重要的部分。她更加注重内心的需求，以及作品语言的精准度和纯粹性。她认为越纯粹的作品其能量越大。对于未来，艺术是否跨界或者无界，康雷认为这都不是问题，关键在于自己是否需要。如果需要，她愿意探索和尝试。

邢俊勤评议：艺术的划界和跨界是艺术领域中一个长期存在的探讨议题。艺术家在创作时，不免会思考自己的作品是否真的受到某种限制，以及如何去突破这些界限。这个问题对艺术家而言，是既充满挑战又带来困惑的。

石不语 康雷 40-40cm 2024

盛葳认为：对原创性的理解因文化背景不同而异。在欧洲，19世纪之后原创性被看作是绝对创新的表现；在中国对大师的致敬也被视为原创。在现代社会，无论在中国、日本、欧洲、美国还是澳洲，对原创性的理解已趋于一致，形成了一种现代意识。这为重新审视艺术的跨界和划界问题提供了契机。

所谓划界，意味着艺术创作存在一定的边界。所有的艺术都是在特定条件下产生、创作、展示、理解和观赏的，这就是划界的含义。而跨界则与创造和原创性息息相关。艺术必须不断突破原有边界，以维持其原创性。原创性被视为当代艺术中最重要的特征之一。如果艺术作品失去了原创性，人们会认为它缺乏意义和价值。原创性之所以重要，是因为它代表了人的个性，是个体和集体创造性的体现。在文艺复兴时期，原创性并不是一个问题，那时个性的概念并不突出。如今，个性在艺术中变得极为重要，跨界的目标正是追求原创性。原创性背后的价值和意义，在于它体现了不同个体的创造性。

生活和艺术都需要在一定限制下才能产生。如果没有任何限制，艺术家可能会感到迷茫，不知道如何创作。限制的变化对艺术创作有重要影响。认识到这些限制条件至关重要，只有在这些条件下，才能进行创造。因此，首先要认识到自己和所从事艺术的边界。只有确定了边界，才能划界和跨界。如果连边界都不知道，就无法去拓展、突破和创造。他认为，认识到今天艺术创作中的边界，是突破它的前提。

顽石记 康雷 20-20cm 2024