范勃丨走出圈层范畴——新大众文艺浪潮与中国美术体系的当代建构

在当代美术研究语境中，“数字平移”实现了从技术层面向文化层面的线性移动；广泛而言，艺术创作、传播与接受系统从物理介质向数字介质的整体性迁移过程，这一过程本质上，是艺术本体存在方式的根本性变革。值得注意的是，传统美术作品在数字空间并非原样呈现，而是在数据化过程中产生新的属性——可编程性、可交互性、可衍生性。在生成式AI时代，简单的艺术品数字化的边际成本趋近于零；若缺乏后续的活化与交互，这些庞大的数据库将如同无法产生效益的“技术负债”般。因此研究提出“数字平移”的技术发展应从“存储导向”转向“生成导向”，艺术创作需积极地融入新工作流的产业，而并非仅作为展示，决定了其在重构文化语境中的能力体现。这无疑亦引发观众对艺术创作的新理解：在数字空间中，艺术的语境与观看关係产生了何种本质化变化？

若把“数字平移”理解为物质世界对象的数字化，以及数字对象在平台、格式与环境之间的移动，那么保存与策展提供的是更成熟的概念框架，它们提醒人们不仅应该关注“搬过去”，还包括“搬过去之后还能不能被读到、能不能被证明”。在这类讨论里，数字对象的元数据与描述信息也被视为保存对象的一部分，因为它们决定后来者能否理解文件的来历、语境与使用限制。“数字平移”不仅改变了艺术的载体，更重塑了其价值基础。传统美术珍视原作物质性的“灵韵”（aura）与历史唯一性。而在数字领域，简单的存储与复制价值边际递减，“生成性”成为新的价值载体，艺术的价值不再仅源于其作为封闭客体的存在，更在于其作为数据本体所具备的可编程性、可交互性与可衍生性。这要求创作思维从“制作一个作品”转向“设计一套生成规则与交互可能”，价值评估也需考量其在数字生态中持续引发再创造与意义迭代的能力。

围绕数字保存的研究中，常被反复讨论的是“迁移与仿真之争”（Migration vs.Emulation）。迁移强调通过转换对象或格式来保持可用性，例如把旧格式文件转为新格式，把旧系统的数据导出到新系统。仿真则更在意原貌与功能，通过重建原运行环境来维持使用方式与感知经验。两种路径都在回答同一个问题，即数字对象的“可用”究竟意味着什么。传播与媒介研究进一步把这种转换理解为一种媒介间的改写，因为每一次转换都会带来呈现方式、意义组织与可见性结构的变化，数字对象并非只是被搬运，它也在被重新书写。对艺术史而言，这一争论也关涉数字复制品的展示方式：同一幅作品的数字化文件若被反复迁移与压缩，色彩与质感的细微差异会累积，进而影响研究与公共呈现。

进入人工智能研究与应用语境后，这套讨论被明显拉长。备份与迁移不再只关心“文件是否可恢复”，还要支持实验与系统的可复现、可追溯与可审计。生成式AI（Generative Artificial Intelligence，简称GENERative AI或GenAI ）使“需要被保存与迁移的对象”发生外延变化，大量关键内容来自模型生成，且会回流到信息生态甚至训练语料之中。于是，保存不只是一份拷贝，还包括来源与过程的说明，例如生成时使用了什么模型与参数，经历过哪些编辑与压缩，是否存在合成与篡改的可能。换言之，AI时代的“平移”常常意味着跨平台、跨格式、跨可信度的移动，需要通过标注、版本管理与数据谱系等手段，把对象的来路与变形过程一并带过去。

在“分享经济”的讨论中，“数字集市”更多指一种可以交易与共享的线上贸易平台。它借助互联网把分散的个人与资源连接成市场，把原本闲置的“剩余使用容量”汇集起来，使资源更容易被看见，也更容易被匹配。相较于传统集市受限于地理与时间，数字平台让交易从偶发走向日常化，并在更大范围内形成规模效应。其关键机制在于点对点连接带来的直接互动，供需双方可以绕开层层中介，直接完成信息对接、信用评估与交易结算。（王宁：《分享经济的社会建构》，《中国社会科学》2021年第11期）